Spider-Man: Into The Spider-Verse: Cómo se llegó a ese estilo visual?


Con colores brillantes y relucientes, una animación espectacular y una edición limpia, Spider Man: Into the Spider-Verse atrae al espectador en la vida de Miles Morales. No es sorpresa que esta maravilla de la animación ha recaudado más de #350 M de dólares al rededor del mundo y ganado gran cantidad de premios haciéndola el mejor título animado de Sony y ha cambiado por completo el panorama de la animación.
Nos reunimos con el supervisor de animación en Sony Pictures Imageworks , Jeff Panko y el Líder de Iluminación y Compositing Geeta Basantani para descubrir como fue desarrollado este impresionante estilo visual y los retos que conllevan tratar de crear un nuevo estilo en el mundo de animación.

ESTILO ÚNICO DEL SPIDER-VERSE

Spider-Man: Into the Spider-Verse tuvo más de 2,600 shots; más de los necesarios en un film de animación tradicional mucho más complejo.

“Nadie había hecho nada como esto antes”
dijo Geeta Basantani, quien trabajó desde el inicio en esta película. Geeta participó en su mayoría en el desarrollo de los estilos usados en Spider-Verse. “Los directores de arte fueron directo al punto”

Con más de 800 personas trabajando en este film, hubo un ligero balance entre la creatividad individual y la consistencia en grupo. Para el mejor funcionamiento del proyecto, todos tuvieron que estar de acuerdo en el estilo general.

“Sony tuvo equipos para cada secuencia, así que fui con cada equipo para ayudarles a bajar la idea sobre el lenguaje de la pelicula” dijo Geeta. “Existe una necesidad de balance para mantener todo consistente, pero no quisimos molestar a los artistas creativos”

“Lo que ellos querían era mantener el toque de cada animador visible en cada shot” explica Jeff Panko, quien entró al proyecto en Agosto del 2017. “Así que no había reglas para nada de esto. Podíamos desarrollar artisticamente casi cualquier movimiento”

TRABAJANDO BAJO EL MISMO LENGUAJE

Mientras los artistas fueron motivados a incluir su propio toque, las secuencias aún así necesitaban fluir al mismo tono uno tras otro. Así que para mantener a todos dentro del mismo espacio, el equipo desarrolló un estilo de iluminación muy particular, color, lineas y puntos.

“Por ejemplo, la luz y reflexiones fueron definidos por puntos, y todas las sombras por líneas. Líneas entre gruesas y delgadas. Si haces Zoom in, hay puntos por doquier. En pequeña escala no siempre están visibles.” Explica Geeta.
“Íbamos en contra del Glow. Nunca hay un ‘soft glow’ en toda la película. Así que cuando ves las luces del tren, todos los destellos fueron diseñados visualmente con puntos que van de grueso a delgado”

“Hubo diferentes tipos de luz”, dijo
Hay un estilo en particular de un lámpara respecto a una fuente de luz grande. Como cuando el sol ilumina las calles, por ejemplo, el destello rojo del cabello”

Cada detalle en la película fue parte de una toma de desiciones. Y con cada artista dándole su propio toque, fue vital poner el estilo visual para cada personaje. Por ejemplo, cuando el personaje principal se separa en canales de colores.

Si miras de cerca, tal vez habrás notado: “Hay geometría flotando en las superficies, y líneas reales que verás flotando en 3D. El modelo fue realizado de esa forma, desacoplado un poco. Y luego las texturas flotatnes fueron agregadas aquí y allá. Como si fuera un muro” dijo Basantani.

Mantener un estilo constante fue algo complicado, especialmente en las primeras fases de desarrollo. Panko expresa que inicialmente algunos artistas remarcaban demasiado los bordes y las líneas, por ejemplo. En ese caso, Josh Beveridge, líder del departamento de animación de personaje, hizo notar que los bordes y las líneas se veían muy bien para uno, tal vez dos frames, pero más allá de eso tal vez sobre expondría la animación y sería motivo de distracción.

Los shots de prueba dieron a los artistas una idea de lo que podría y no podría funcionar. “

MOTION BLUR

Sin duda alguna, parte del estilo visual del fil, vino de una desición muy específica, en no usar motion blur.

“No hubo Motion blur” dijo Basantani “Parece como motion blur pero en realidad es ‘shift’ lo cuál basicamente es tomar la misma imagen y repetirla cada frame, para crear una sensación de eco. Es un tratamiento de eco, Sobreponerlas da una sensación de motion blur, pero no lo es. Es algo más”

PASO UNO, PASO DOS

De manera tradicional, la ilusión de movimiento en el film (que va a 24 frames por segundo) sucede cuando cada frame contiene una imagen diferente cuando se ven en secuencia. En animación, si cada frame contiene un nuevo dibujo, estás animando en “unos”. Pero Spider-Man: Into the Spider-Verse “Fue hecho en su mayoría en “doses”, para poder mantener un poco más cada frame” dijo Panko.

“Usualmente cuando animamos en “doses” e intentamos posar al personaje cada dos frames, puedes notar que ha sido posado en cada segundo frame; No le hace tener una buena fluidez. Personalmente, me pareció mejor animar en “unos” , y al final mezclarlo todo, y borrar los segundos frames”

Tomó horas y horas de pruebas y experimentos para llegar al look ideal, y varias herrmientas personalizadas fueron contruidas para ayudar a los artistas en el proceso.

Una sola herramienta que permitió a los artistas animar sus shots de la forma tradicional, pero playblast permitía ver cada segundo frame, dandole ese efecto de “stepping”. Muy útil para el día a día.

Otro truco de Sony fue le herramienta “ink line” , la cuál permitió a los artistas hacer líneas en Maya que replicaran la pluma como si de comic se tratara simulando errores y bordes. “Podrías literalmente dibujar la línea y crearía una jerarquía en el borde, así crearíamos la cadena de controladores, así que una vez creada la línea podrías ir y mover y modificar las poses”

Esta herramienta fue desarrollada a partir de muchas pruebas. Jeff explicó que ocasionalmente los artistas añadían líneas, lo cuál funcionaba en ambiente 2D, pero para el departamento de Stereo era necesario que existieran en 3D. Una vez notando que las líneas no se trasladarían en 3D, algunos de los trabajos de stroke tuvieron que rehacerse.

CREANDO LÍMITES CREATIVOS

Más allá de los retos, el film fue impecable. Gracias a la visión creativa y al empuje de los directores, y cientos de artistas talentosos que dejaron su propio toque, Spider Man: Into The Spider- Verse ha dejado su marca en el mundo de la animación.

“Incluso después, de ver los artes finales pensé que si podíamos lograr este estilo para todo el film iba a ser impresionante”
“Los equipos de Lighnint y Comp se esforzaron muchísimo para hacerlo ver como el concept art.”

Fuente: CG Spectrum
Traducción: Iván Galicia


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